Rolf De Marchi

Das Jürg Wickihalder Overseas Quartet überzeugte mit seinen abwechslungsreich ausgestalteten Kompositionen und Improvisationen.

«Furioso» hat das Jürg Wickihalder Overseas Quartet seine neuste CD getauft, die die Band mit einem stimmigen Konzert in der Kulturscheune Liestal präsentierte. Und in der Tat gab es da immer wieder Momente, die das Prädikat furioso absolut verdienten wie beispielsweise das Stück «Square» mit seinem eigenwilligen Thema und seiner deftigen Begleitung durch die Rhythmussektion oder der Titel «Warm up Party» mit seinem treibenden, an den Swing der 30er- und 40er-Jahre erinnernden Drive, der allerdings durch die relativ freie Themengestaltung erfrischend kontrastiert wurde. Neben Tangoklängen glaubte man gelegentlich sogar Anleihen bei der heimatlichen Volksmusik zu hören und dass die Band neben einem Stück des stilbildenden Altsaxophonisten Ornett Coleman auch eine Hommage an den wirkungsmächtigen Sopransaxophonisten Steve Lazy spielte, konnte nicht überraschen, war doch der musikalische Einfluss dieser Jazzgrössen auf die Musik des Quartetts unüberhörbar.
Nicht ganz Unschuldig am speziellen Sound des Overseas Quartet dürfte die unkonventionelle Besetzung der Band mit zwei Blasinstrumenten, Kontrabass und Schlagzeug gewesen sein. Ähnlich wie Gerry Mulligan in den 50ern verzichtet das Quartett auf ein Harmonieinstrument wie Piano oder Gitarre, was es den beiden Bläsern Jürg Wickihalder am Sopran- und Altsaxophon und dem Italiener Achille Succi am Altsaxophon und der Bassklarinette ermöglichte, ihre Soli melodisch und harmonisch freier auszugestalten. Zeichneten sich die Improvisationen von Achille Succi vorwiegend durch technische Raffinesse aus, überzeugte Jürg Wickihalter in seinen Soli vor allem durch seinen verblüffenden Reichtum an rhythmisch clever durchgestalteten Riffs und Sequenzen, die er gelegentlich auf geistreiche Weise mit schrägen Mehrklängen oder skurrilen Anblastechniken aufbrach.
Für die Rhythmusgruppe des Quartetts waren zwei Brüder zuständig: der aus New York stammenden Kevin Zubek an den Drums, dessen Spiel sich durch eine erstaunliche Anpassungsfähigkeit an die verspielten Kompositionen von Jürg Wickihalder auszeichnete, sowie der mit zupackendem Ton agierende Kanadier Mark Zubek am Bass, der sich über ein schepperndes Megaphon auch noch als wundervoll durchgeknallter Sänger erwies, bei dem sogar eine Tom Waits eine Scheibe hätte abschneiden können.
Einziger Wehrmutstropfen an diesem Abend: nur zirka 15 Nasen hatten zu diesem Konzert den Weg in die Kulturscheune gefunden; diese hervorragenden Band hätte wahrhaft ein grösseres Publikum verdient!

Erschienen in der Basellandschaftlichen Zeitung

Mit ihrem Projekt «Panzerkreuzer Potemkin» hat die Knabenmusik Basel die hohen Erwartungen vollumfänglich erfüllt.

Mit dem Projekt «Panzerkreuzer Potemkin» habe der Komponist David LeClair «2008 mit dem Stummfilm und der Knabenmusik Basel einen Glücksfall für die Basler Kulturszene initiiert, der seinesgleichen sucht». Diese hohe Erwartungen weckende Äusserung konnte man in den letzten Wochen in den Vorankündigungen zum Konzert der KMB im Stadtcasino Basel lesen. Und in der Tat vermochten sowohl die KMD als auch dessen Leiter und Komponist LeClair diesem Anspruch vollumfänglich gerecht werden.
David LeClair, Tubist im Sinfonieorchester Basel und Lehrer an der Musikhochschule Basel hat für die KMB, die er auch leitet, in über 1000 Stunden freiwilliger Arbeit eine neue Filmmusik zum cineastischen Meisterwerk «Panzerkreuzer Potemkin» des russischen Filmregisseurs Sergei Eisenstein geschrieben, in dem sich während der russischen Revolution von 1905 Matrosen eines russischen Schlachtschiffs gegen das unmenschliche Regime ihrer zaristischen Offiziere auflehnen.
In monatelanger intensiver Arbeit hat sich das Jugendorchester auf diesen Moment vorbereitet und man hörte das. Mit erstaunlicher Präzision folgten die jungen Musikerinnen und Musikern den Anleitungen des Dirigenten LeClair, der seine Musik auf die Sekunde genau mit dem Film, der hinter dem Orchester auf einer grossen Leinwand lief, abgestimmt hatte und den Klangkörper mittels eines mit der Handlung des Films synchronisierten Pulsgebers über Kopfhörer leitete.
Nach allen Regeln der Filmmusik hatte Le Clair diese erstaunlich modern klingende Partitur gesetzt. Einzelne Figuren der Handlung wurden durch bestimmte Instrumentengruppen definiert, ruhige und friedliche Szenen eher durch die weicheren Holzbläser, lebhafte Massen- und Kampfszenen durch das härtere Blech und vor allem durch die wild wirbelnden Pauken, die der Filmhandlung zusätzliche Dynamik verliehen. Oft wechselte die Musik sogar auf Filmschnitte genau seinen Charakter und wenn der Schiffskoch mit dem Beil das faule Fleisch zerteilte, wurden dessen Beilschläge präzise mit Paukenschlägen untermalt.
Der eigentliche musikalische Höhepunkt bildete aber die berühmte Treppenszene, wo die zaristischen Kosaken das fliehende Volk von Odessa die Stufen runtertreiben und zusammenschiessen. Mit einem marschähnlichen treibenden Puls und wild durcheinander laufenden, den einzelnen Szenen wohl überlegt angepassten Motiven vermochten David LeClair mit seiner KMB diese Filmsequenz emotional aufzuladen. Man darf gespannt sein, ob es der Knabenmusik Basel auch in der Zukunft gelingen wird, ähnlich hohe Erwartungen zu schüren und genau so souverän zu lösen wie dieses Projekt «Panzerkreuzer Potemkin».

Die Pop-Jazzsängerin Lizz Wright interpretierte ein stilistisch buntes Programm mit vorwiegend zarten Balladen.

Es ist normal, dass wenn eine Jazz- oder Rockband an einem Konzert 16 Songs spielt, sich darunter höchsten zwei, drei langsame Balladen finden. Bei der seit ihrem Debütalbum «Salt» (2003) als neuer Star des Jazz gefeierten Sängerin Lizz Wright verhält es sich gerade umgekehrt, sie singt lauter Balladen, unterbrochen von gerade mal drei Songs in einem eher gemütlichen medium Uptempo; eine Feststellung, die man anlässlich des 2. Konzerts im Rahmen des Stimmenfestivals von Lizz Wright im Lörracher Burghof machen konnte.
1980 wurde die Sängerin im US-Staat Georgia als Tochter eines Pfarrers, Pianisten und Leiter eines Kirchenchores sowie einer Gospelsängerin geboren, sammelte erste Erfahrungen in Kirchen- und Gospelchören, studierte Gesang an der Georgia State University in Atlanta und stieg 2002 bei zwei Konzerten zu Ehren von Billie Holiday in Chicago und Los Angeles gemäss LA Times als Unbekannte auf die Bühne, um sie eine Viertelstunde später als Star wieder zu verlassen.
Drei CDs sind seither von Lizz Wright erschienen, die sie auch weltweit bekannt gemacht haben und die internationale Musikkritik in puncto Lob ausrasten liess.
Wie sehr dieses Lob zutrifft bewies die Sängerin bei ihrem Konzert im Burghof bereits im ersten gespielten Song, dem Titelstück ihrer ersten CD «Salt». Nachdem die ansonsten hervorragend spielende Band sich in Folge des langsamen Pulses der Soul-Blues-Ballade erst nach ein paar Takten zum richtigen Timing zusammengefunden hatte, trat Lizz Wright fast engelsgleich in einem langen, wallenden, leicht transparenten Kleid, das bei der richtigen Beleuchtung zart ihre schlanke Figur durchschimmern liess, ans Mikrofon. Und in der Tat nahm einem schon nach wenigen Sekunden das in der Vorankündigung erwähnte «tiefe und gehaltvolle Timbre» ihrer Stimme gefangen. Mit wunderbar warmer Stimme und einer erstaunlichen Intonationssicherheit sowie einem grossartigen Gespür für Phrasierung und Feinmodulation, die der gesungene Text erforderte, hauchte die Sängerin dem einfühlsamen Song Atmosphäre ein. Mit einem warm geschwungenen Vibrato erhöhte sie noch zusätzlich die expressive Wirkung ihrer Interpretationskunst.
Jedoch grade das Vibrato zeigt auch, dass selbst diese hervorragende Sängerin ihre Grenzen hat: in den eher seltenen Fällen, wo es im folgenden Programm von insgesamt 16 Songs - knapp die Hälfte stammten von ihrem neusten Album «The Orchard» - mal etwas lauter wurde, wurde ihr Vibrato extrem schneller, so dass es ein wenig an eine Farfisa-Orgel erinnerte. Und auch in puncto Stimmvolumen kam sie dann an ihre Limits; an den kraftvollen Druck der oft als Vergleich herbeigezogenen Nina Simone reichte sie da nicht heran. Dies dürfte auch der Grund sein, warum sich Lizz Wright auf Balladen spezialisiert hat, wo sie alle Vorteile ihrer zweifellos hervorragend Stimme zu Geltung bringen kann. Wer vor allem Balladen mag, kam somit bei Lizz Wrights Konzert voll auf seine Kosten, wer’s allerdings auch mal gerne richtig fetzig hat, dürfte eher enttäuscht gewesen sein.
Kaum Anlass zu Kritik bot auch die Begleitband mit Jeremy Mage (Piano), Nicholas D’Amato (E-Bass), Chris Eddleton (Drums) und dem Gitarristen Brandon Ross, der ein paar wunderbar einfühlsame, ideenreiche Solos zum Besten gab. Abgesehen von den erwähnten Anfangsschwierigkeiten spielte die Band alle diese langsamen Songs mit einem erstaunlich präzisen Timing. Und in den seltenen Fällen, wo die Band mal richtig loslegen konnte wie im blusigen «Walk with me», bewiesen die vier Musiker, wie fantastisch sie grooven können.
Nach einem stilistisch bunten Programm mit Anklängen an Jazz, Gospel, Folk, Singer-Songwriter-Pop, R’n’B und vor allem immer wieder Soul und Blues beendete Lizz Wright ihr Konzert mit einer solo vorgetragene Interpretation des Klassikers «Amazing Grace», den die Sängerin fantasievoll nach allen Regeln der Kunst mit melismatischen Verzierrungen sowie farbenreichen Durchgangs- und Wechseltönen ausschmückte.

Erschienen in der Basellandschaftlichen Zeitung

Der Sound-Designer und Live-Performer Peter Philippe Weiss bot eine betont tiefschürfende Show mit wenigen musikalischen Überraschungen.

Unter dem Titel «Mindgames» stand die Performance des Filmmusikers, Sound-Designers und Performers Peter Philippe Weiss in der Imprimerie Basel. «You’ll hear what you’ve never seen before» wurde da volllippig angekündigt, ein multimediales Konzept voller Geschichten und Klangwelten mit Traumbildern, Fantasiewelten, Science-Fiction, Erotik und Thriller.
Neugierig also pilgerte man in die ehemalige Volksdruckerei, um sich von Peter Weiss «per Joystick Träume aus seinem Hirn in des eigenen Hirn downloaden zu lassen», wie der Performer sich zu Beginn seiner Show auszudrücken beliebte. «In der Fantasie des Publikums rumwühlen» würde er in seiner «geilsten Game», so erfuhr man und prompt stieg man mit ihm in seiner ersten, mit viel Pathos vorgetragenen wildwuchernden Geschichte in ein Raumschiff, um zu einer futuristischen, seitenverkehrt in den Lüften hängenden Stadt zu reisen, wo ein mysteriöser Liebesbrief geschrieben in einer ornamentalen Schrift der Entdeckung harte. Musikalisch unterlegt wurde diese abstruse Geschichte von düster sich vorwärtsschiebenden, elektronischen Klangmassen ab Computer, die im 4-kanal Surround-Verfahren auf das Publikum einfluteten, wobei Weiss auch mal kurz zur E-Gitarre griff, um handgemacht ein paar schräge Riffs beizusteuern.
Bedeutungsschwanger und mit aufgesetzt wirkender Dramatik wurde man dann mit einer unfertig wirkenden Sprache, die wohl trendy sein sollte, in «purpurne Nebel» entführt, in denen Peter Philippe Weiss davon träumte, ein Schmetterling zu sein und wo er den Fernseher zum Fenster rausschmiss, den Computer runter fuhr und das Handy in den Mikrowellenherd legte. Sehr, sehr kryptisch und wahnsinnig tiefsinnig kam das alles daher, der pädagogische Impetus dahinter glich aber dennoch eher einer Keule den einem Zeigefinger. Und alles wurde musikalisch untermalt mit den immer gleichen sinistren Klangströmen und Technobeats, nur gelegentlich unterbrochen von Vogelgezwitscher und Geräuschen eines Sommergewitters; die schier unbegrenzten Klangmöglichkeiten moderner Computertechnik wurde dabei kaum ausgeschöpft. Fast schon kitschig klangen da die seltenen Momente, wenn Weiss zur akustischen Gitarre griff, um in einer Dubidudu-Scat-Sprache ein Liedchen zu trällern oder am Flügel eine Stückchen irgendwo zwischen Eric Satie und Keith Jarret zum Besten zu geben.
Beinnahe ins unfreiwillig Komische wäre das Ganze gelegentlich abgeglitten, wenn da nicht die grossartigen Dias mit Bildern des Licht-Designers Heinz Schäublin und Projektionen des Videokünstlers Carlos Poete gewesen wären, die immer wieder eindrucksvoll auf Leinwände und Gazebahnen hinter dem Performer Peter Weiss projiziert worden wären. Die Bilder assoziierten florale Muster und bizarre, geometrische Techniklandschaften voll kühler Schönheit, die dem Projekt einen professionellen Anstrich verliehen. Zu Ehren von Peter Philippe Weiss sei doch noch nachgetragen, dass dessen Performance mit einem grossen Applaus und diversen Bravorufen quittiert wurde.

Erschienen in der Basellandschaftlichen Zeitung

AVO-Session: «Jazz and more» lautete das Motto des Abends: für den Jazz war der deutsche Trompeter Till Brönner mit seiner Band zuständig, für das «more» der Frauenliebling und Pop-Grooner Michael Bolton.

«Schuster bleib bei deinen Leisten.» Da ist schon was wahres dran, an dem Spruch, wie man beim Konzert von Michael Bolton anlässlich der AVO-Session im Festsaal der Messe Basel erfahren konnte. So lange der Sänger in seinem angestammten Metier, dem Blue-Eyed-Soul blieb, jener Richtung der Soulmusik, die von weissen Musikern bestritten wird, war alles in der Ordnung. Wenn er beispielsweise mit seiner hellen, warmen, leicht angerauhten Stimme seinen Hit «Soul Provider» oder den Bee Gees-Klassiker «To Love Somebody» anstimmte, verzieh man ihm gerne, dass er wiederholt schwer in den Kitsch abdriftete. Kitsch auf so hohem Niveau zu produzieren, dem man nicht ohne Vergnügen zuhört, ist wahrhaft eine Kunst, die Respekt abverlangt. Sogar den grossen Klassiker «Sittin’ On The Dock Of The Bay» des Soulgiganten Otis Reding brachte Michael Bolton erstaunlich gut herüber.
Nicht unwesentlich zu diesem Erfolg trug Boltens hervorragende Begleitband bei, angefangen bei der sauber arbeitenden Rhythmusgruppe hin zu den vier mit schwarzen Minikleidchen ausstaffierten jungen Ladys, die nicht nur gut aussahen, nein, die auch noch hervorragend singen konnten und mit ihren Blasinstrumenten fetzige Bläserriffs hinzulegen verstanden.
Dass ganze lief dann aus dem Ruder, als Bolton sich dem Metier des Swings zuwandte und versuchte, möglichst nahe am Original Frank Sinatra-Songs nachzusingen. Also entweder arrangiert man diese Stücke neu und passt sie den Möglichkeiten seiner Stimme an, oder man lässt die Finger davon. Aber vom Berg Sinatra mit seiner unvergleichlichen Stimme ist bekanntlich schon manch anderer ziemlich heftig abgestürzt.
Doch es kam noch schlimmer, stimmte doch Bolten tatsächlich noch - horribile dictu - alleine, ohne die fachmännische Unterstützung durch Opernstar Luciano Pavarotti wie einst 1996 auf der CD «Pavarotti and Friends» Giacomo Puccini Arie «Nessun Dorma» aus der Oper Turandot an. Auch wenn man damit rechnen musste, traf es einen wie ein Hammerschlag. Glücklicherweise kehrte Michael Bolton bei seinen zuletzt gesungenen Songs wieder zu seinem angestammten Blue-Eyed-Soul zurück, so dass man sich von diesem niederschmetternden Schock wieder einigermassen erholen konnte.

Hervorragen gespielte Musik

Der zweite Act des Abends, der deutsche Trompeter Till Brönner mit seiner hervorragend besetzten Band vermochte schliesslich mit seiner mitreissend gespielten Musik die derangierten Nerven wieder gänzlich ins Lot zu bringen. Mit einem locker intonierten traditionellen Blues stieg die Band ein. Mehr noch als in diesem Blues überzeugte vor allem die Rhythmusgruppe in einem später gespielten Elektro-Funk à la Miles Davis, in dem Drummer Wolfgang Haffner, Perkussionist Roland Pfeil und Kontrabassist Dieter Ilg mit der Präzision eines Schweizer Uhrwerks zusammenarbeiteten und die Musik mit elektrisierender Energie aufluden.
Grossartig auch das Spiel von Till Brönner auf seiner Trompete: warm und weich, fast wie auf einem Flügelhorn blies er in den ruhigen, balladenhaften Stücken, kraftvoll zupackend in den schnelleren Kompositionen. Und vor allem in den seltenen Fällen, in denen sich die Band dem Hard Bop zuwandte, konnte man mit vollen Zügen Brönners stupende Spieltechnik bewundern.
Doch gerade dieser spieltechnische Ansatz erwies sich gelegentlich auch als Nachteil, neigte der Solist Brönner nicht selten dazu, in balladesken Stücken wie beispielsweise in klassischen Bossa Novas statt sich in ausdrucksstarken Melodielinien zu ergehen, seinem Instrument eine kaum mehr durchhörbare Flut an Tönen zu entlocken (Tenorsaxophonist Stan Getz hat einst gezeigt, wie man das macht).
Auch über Till Brönners Gesangskünste lässt sich mit Fug diskutieren. Zu offenkundig eiferte der Sänger dem gossen Vorbild Chet Baker nach, an dessen magische Gesangskünste er allerdings nicht heranreichte: zu wenig stimmliche Persönlichkeit, zu wenig Temperament war da zu hören. Aber auch wenn Till Brönner im Verlaufe seines Gigs keine wirklichen Überraschungen bot, vermochte er dennoch gemeinsam mit seine hervorragenden Band durch die hohe spieltechnische Qualität seiner Musik zu überzeugen.

Erschienen in der Basellandschaftlichen Zeitung