Rolf De Marchi

Die «Kings of Convenience» wurden ihrem Ruf als Erfinder des aktuellen Musikstils «New Acoustic Movement» gerecht.

Sie werden oft mit den frühen Simon and Garfunkel (S&G) verglichen, die «Kings of Convenience», die im Volkshaus Basel ein Konzert gaben. Dieser Vergleich ist sicher nicht ganz abwägig: Wie bei S&G Mitte der 1960er-Jahre bildet das Fundament des Sounds der ‚Königen der Zufriedenheit’ die akustische Gitarre. Dazu kommen fein geschwungene, mit samtweicher Stimme gesungene Melodiebögen und klug arrangierter, mehrstimmiger Chorgesang. Im Unterschied zu S&G allerdings, die in den USA in Zeiten des Umbruchs mit Rassenunruhen, Vietnamkrieg und dem Ausbruch der Jugend aus engen Konventionen musizierten, stammen die beiden Kings Eirik Glambek Bøe und Erlend Øye aus dem kühlen, langgestreckten Norwegen, das gegenwärtig mit viel Erdöl gesegnet relativ ereignislos am Randes des Nordatlantiks vor sich hindümpelt.
Im Verlaufes des Konzerts der Kings of Convenience im Volkshaus konnte feststellen, welche Auswirkungen dieser unterschiedliche Background der beiden Duos auf ihre Musik hat: Verfügen die Songs von S&G über deutlich sich voneinander unterscheidbaren, formalen Strukturen mit Strophe, Refrain und gelegentlicher Bridge, flossen die Stücke der Kings relativ formlos ohne grosse Veränderungen wie Breaks oder nennenswerte Wechsel der harmonischen Abläufe brav und ziemlich ereignislos vor sich hin. Verstärkt wurde dieser Eindruck noch durch die Tatsache, dass die Kings fast alle ihrer Stücke im mehr oder weniger gleichen Medium Up-Tempo spielten, selten war eine langsame Ballade oder ein fetzig schneller Beat zu hören.
Wohltuend allerdings, dass Kings of Convenience auf den seit Jahren anhaltenden, gelegentlich etwas nervenden Trend, ihre Musik in elektronischen Sounds, Loops und Samplings zu ertränken, verzichteten. Sie spielten ihre Songs, die zum grossen Teil auf ihrer letzten CD «Declaration of Dependence» zu finden sind,
vorwiegend unplugged auf akustischen Gitarren, gelegentlich noch ergänzt durch ein E-Piano, später auch begleitet von Violine und Kontrabass. Selten und nur sehr dezent griffen die als Erfinder der aktuellen Stilrichtung «New Acoustic Movement» gehandelten Musiker auf einen Sampler zurück, was ihrem Sound eine erfischende Natürlichkeit verlieh. Rund die Hälfte des Konzertes spielten Eirik Glambek Bøe und Erlend Øye alleine: legte in Songs wie «Know How» der eine der beiden mit zartem Picking auf der Gitarre melodisch gestaltete Einschübe zwischen den Gesang, brachte der andere mit locker-leicht geschlagenen Akkorden die Musik fast schon im Stile eines klassischen brasilianischen Bossa Nova zum grooven. Und als dann später der Gastmusiker Davide Bertolini mit seinem Kontrabass dazu stiess wie im aktuellen Hit «Boat Behind», begann die Musik regelrecht zu swingen wie bei einer Gypsy-Jazzband. Zusätzlich gewannen die Songs mit romantischen Texten über Sehnsucht, Liebe und Freiheit an Farbe, wenn der zweite Gast des Abends Tobias Hett auf seiner Violine noch pizzicato gespielte Riffs über die Rhythmen der Gitarren legte wie im locker rollenden «Mrs. Cold».
Der gelegentlich auftretenden Monotonie vermochte die Band zumindest gegen Ende doch noch Paroli zu bieten durch ein ziemlich funky gespieltes «I Don’t Know What I Can Save You From» ergänzt mit sympathischen kleinen Show-Einlagen von Erlend Øye, bei denen er das Publikum gelungen zum Mitklatschen und Mitsingen animierte, ohne dabei in die bei solchen Aktionen oft auftretende Peinlichkeit abzurutschen.

Erschienen in der Basellandschaftlichen Zeitung

In einer Konzertreihe zeigen Studierende der Abteilung Jazz der Hochschule für Musik an der Musik-Akademie Basel, was sie drauf haben.

In der gegenwärtigen Sommerhitze scheint die regionale Kulturszene fast zur Gänze zum Erliegen gekommen zu sein. Doch halt, im Parkrestaurant Lange Erlen, Basel regt sich was, da läuft momentan unter dem Titel «Chill Out Jazz» eine Konzertreihe, in der Studierende der Abteilung Jazz der Hochschule für Musik an der Musik-Akademie Basel bis zum 18. August 2010 ihre Musikprojekte präsentieren. Diese Open Air Konzerte, deren Eintritt frei ist, gehen jeweils mittwochs 19 - 22 Uhr über die Bühne des Gartenrestaurants Lange Erlen.
Die meisten der Jungtalente dieser Konzerte stehen unmittelbar vor dem Abschluss ihrer Ausbildung zum Berufsmusiker an der Jazzschule Basel und sollen so die Möglichkeit erhalten, Erfahrungen zu sammeln. Dabei liegt die Betonung nicht wie sonst bei solchen Anlässen üblich in erster Linie auf von der Jazzschule organisierten Workshops, in denen die Studierenden exemplarisch zeigen, was sie gelernt haben. Eigenständigkeit steht da im Vordergrund, dass heisst, die Bands präsentieren vor allem selbständig erarbeitete Projekte mit vorwiegend eigenen Stücken, nur gelegentlich mit individuell ausgestalteten Jazz-Klassikern aufgemischt. Stilistisch bewegt sich die Musik der jungen Musiker vor allem im Rahmen von modernem Mainstream Jazz mit gelegentlichen Ausflügen in Blues-, Funk- und Pop-Gefilde.
Stellvertretend sei auf das Konzert von Morgen Mittwoch 14. Juli hingewiesen, in dem die 28-jährige Altsaxophonistin Rita Èkes mit ihrem Trio auftreten wird. Zusammen mit ihren Mitmusikern Yannick Tinguely am Bass und Jan Schwinning an den Drums wagt sich die junge Saxophonistin an ein Format, das einst Ende der 1950er-Jahre vom Saxophon Colossus Sonny Rollins etabliert wurde: Das Jazztrio mit einem Saxophon begleitet nur von Bass und Schlagzeug ohne Harmonieinstrument wie Piano oder Gitarre. Noch vor wenigen Monaten meinte der namhafte Saxophonist Joshua Redman, dass er bis zu seinem vierzigsten Lebensjahr einen Bogen um diese Trio-Besetzung gemacht habe, da er sie lange als zu anspruchsvoll erachtete. Die ungarische Saxophonistin Rita Èkes scheint da weniger an Selbstzweifel zu leiden, sie steht jedenfalls auf das pianolose Trio, das ihr viel Freiheit gewährt, muss sie sich doch da beim Spiel nicht in das enge Korsett fix strukturierter Harmonien zwängen. Neben ein paar wenigen Standards wird das Trio vor allem eigene Stücke zum Besten geben.
Auch das am 21. Juli spielende Quartett «Klangquadrat» hat sich dem zeitgenössischen, modernen Jazz verschrieben, wobei die vier Musiker auch nicht vor eher ungewöhnlichen Metren wie fünf oder sieben Achtel-Takt zurückschrecken. Sie werden bei ihrem Konzert vor allem Stücke von ihrer demnächst erscheinenden CD «Roaming» spielen.

Die Konzertdaten (siehe auch www.musik-akademie.ch/veranstaltungen):
Mi, 14. Juli 19 – 22 Uhr: Rita Èkes Trio
Mi, 21. Juli
 19 - 22 Uhr: «Klangquadrat»
Mi, 28. Juli 
19 - 22 Uhr: Song-Yi Jeon Quintett
Mi, 04. August
 19 - 22 Uhr: «Jazz, No Junk»
Mi, 11. August
 19 - 22 Uhr: «Maibäckers Kesselrauch»
Mi, 18. August
 19 - 22 Uhr: «Prina»

Veranstaltungsort: Parkrestaurant Lange Erlen, Erlenparkweg 55, Basel

Im 4. Schlusskonzert der Hochschule für Musik Basel zeigten junge Tonsetzer, was sie im Kompositionsunterricht gelernt hatten.

«Goal» dröhnte es durch den Saal und das Publikum brach in tobenden Applaus aus. Nein, nicht im Soccer City Stadion von Johannesburg oder in einem der zahlreichen Public Viewings der Region geriet das Publikum dermassen aus dem Häuschen, im ehrwürdigen Grossen Saal der Musik-Akademie Basel fand dieser Gefühlsausbruch statt. Unter der Leitung von Jürg Henneberger brillant interpretiert vom Ensemble Phoenix Basel gelangten an diesem Abend Werke junger Komponisten zur Aufführung, die an diesem 4. Schlusskonzert der Hochschule für Musik Basel zeigten, was sie in den Kompositionsklassen gelernt hatten.
Der letzte dieser sieben frischgebackenen Tonsetzter war Christophe Schiess (1974) aus der Klasse von Georg Friedrich Haas, der mit der Uraufführung seines Werks «Empreintes de temps» für elf Instrumente ziemlich abräumte. Gespickt mit Stilzitaten vergangener Zeiten (Gustav Mahler winkte aus der Ferne) bewegte sich Schiess zwischen Atonalität und neuer Einfachheit. Die Krönung allerdings bildete der dritte Satz «2-0», in dem auf einer Leinwand hinter dem Ensemble der über 26 Pässe verlaufende, taktische Aufbau des zweiten Tores von Argentinien gegen Sebien-Montenegro an der WM 2006 gezeigt wurde. Nach mehreren vergeblichen, grosse Heiterkeit auslösenden Versuchen gelang es dem Phoenix Ensemble schliesslich doch noch, das Video filmmusikalisch treffend zu untermalen, was den oben erwähnten Gaudi auslöste.
Mit weniger Hang zum Spektakel aber nicht minder beeindruckend überzeugte da die Uraufführung von «Efimera» für Streichquintett, Perkussion und Video des Japanischen Komponisten Keitaro Takahashi aus der Kompositionsklasse von Erik Oña. Abwechslungsreich nutzte er in seinem Werk die modernen Spielmöglichkeiten der Streichinstrumente, um klug computeranimierte, fast impressionistisch ineinander fliessende Videobilder zu kommentieren.
An die Grenze des in pucto Lautstärke Erträglichen wiederum ging Anreas Kerstin mit seiner spannungsreichen Komposition «cyrabyb» für Tenorsaxophon und Horn mit Lofi-Elektronik, während andere wie Teresa Carrasco Garcia oder Olga Bochikhina der Gefahr der spannungslosen Aneinanderreihung von Klischees nicht immer ganz zu entgehen vermochten. Diese Gefahr konnte die Lettin Anita Mieze mit ihrer Komposition «Stone» für Ensemble vermeiden, wirkte dieses Werk doch ungemein energiegeladen mit seiner laufend an und abschwellenden Dynamik. Nicht minder packend schliesslich Matthias S. Krüger mit «Des traces lumineuses» für Fagott, Klavier Streichtrio und Kontrabass, wo alles ununterbrochen in Bewegung war, die anfänglich fast polyphon verzahnten Stimmen schliesslich in von wechselnden Trillern dominierten Klangflächen ausuferten.

Erschienen in der Basellandschaftlichen Zeitung

Das Mondrian Ensemble präsentierte ein kompromissloses Programm neuer russischer Musik.

Es dürfte wohl nicht allzu viele Werke in der Neuen Musik geben, die von einem Pianisten soviel abverlangen wie das «Duett für Violine und Klavier» (1964) der russischen Komponistin Galina Ustwolskaja (1919-2006). Da muss schon eine Kämpfernatur ans Werk wie der Pianist Jürg Henneberger, der schon seit Jahren zum Urgestein der Schweizer Avantgarde gerechnet werden muss. Diverse Male hämmerte der Pianist bei der Interpretation dieses Werks mit unglaublicher Wucht rasende Wirbel auf die Tastatur seines Flügels, dass dieser unter donnernden Tonkaskaden regelrecht aufbrüllte. Parallel dazu entlockte die Violinistin Daniela Müller ihrem Instrument verzweifelt schreiende Töne, die Assoziationen an das Wehklagen der grausam gequälten Seelen in Dantes Inferno heraufbeschworen.
Kein Werk für zart besaitete Gemüter hatte da das Mondrian Ensemble für seinen Konzertabend im Hans Huber-Saal im Stadtcasino Basel auf das Programm gesetzt. Zumindest eine Spur weniger radikal war das eingangs gespielte Stück mit dem Titel «Grosses Duett für Violoncello und Klavier» (1959), ebenfalls von Galina Ustwolskaja. Auch dieses Werk zeichnete sich durch extreme Kontraste aus: Mal waren von der Pianistin Tamriko Kordzaia wilde, rhythmisierte Tonfolgen auf den höchsten, fast leer klingenden Tasten des Klaviers zu hören, dann wiederum entlockte Martin Jäggi seinem Violoncello traurige Melodielinien, die einen Hauch von Melancholie heraufbeschworen. Auf Passagen aufwühlender Intensität im grösst möglichen Fortissimo folgten elegische Abschnitte im leisesten Pianissimo: Galina Ustwolskaja liebte die Extreme.
Die Ustwolskaja gilt heute neben Sofia Gubaidulina als die bedeutendste Komponistin Russlands. Sie erlernte das Handwerk des Komponierens bei Dimitrij Schostakowitsch, der die Arbeit seiner jüngeren Kollegin begeistert unterstützte. Nicht zufällig also, dass das Mondrian Ensemble an diesem Konzertabend noch ein Werk von Dimitri Schostakowitsch aufs Programm gesetzt hatte: Die «Sieben Romanzen nach Worten von Alexander Blok für Sopran, Violine, Violoncello und Klavier, op. 127» (1967). Dieses Werk mit seiner aufs wesentliche konzentrierte Musik war eines der letzten, die der Komponist zu Papier brachte und wird zu den besten seiner Arbeiten gerechnet.
Für die Wiedergabe dieses Liedzyklus hatte das Ensemble die Sopranistin Sylvia Nopper beigezogen, die allerdings an diesem Abend nicht ganz auf der Höhe zu sein schien. Wiederholt bekundete sie Mühe mit der Intonation und mit der Treffsicherheit der hohen Töne haperte es auch gelegentlich. Immerhin gelang es dem begleitenden Instrumentaltrio zu überzeugen. Es vermochte die melancholische Grundstimmung, die die meisten dieser Lieder durchzieht, ausdrucksstark herauszuarbeiten und damit das geneigte Publikum einigermassen zu versöhnen.

Erschienen in der Basellandschaflichen Zeitung

Im Verlaufe von drei Konzerten bewiesen zwölf frisch ausgebildete Solistinnen und Solisten der Hochschule für Musik Basel ihr Können.

Eine Abbildung mit neunzehn Pralinen fand sich auf der Frontseite des Programmhefts zu den Schlusskonzerten 2010 der Solistinnen und Solisten der Basler Hochschule für Musik. Unter jeder dieser Pralinen stand der Name einer der jungen Talente, die im Verlaufe von vier Konzertabenden zeigten, was sie an der Basler Musikhochschule gelernt hatten. Die ersten drei dieser Konzerte fanden im grossen Musiksaal des Stadtcasinos Basel statt, wo unter der Begleitung des Sinfonieorchester Basel zwölf dieser jungen Musiker bewiesen, dass der Vergleich mit den süssen kleinen Versuchungen nicht ganz abwegig ist.
Als wahre Delikatesse beispielsweise erwies sich die koreanische Pianistin Jiny Choi aus der Klasse von Rudolf Buchbinder, die mit feurigem Temperament zwei Sätze aus Sergei Prokofjews Konzert für Klavier und Orchester Nr. 2 g-Moll op. 16 zu Gehör brachte. Mit fein abgestimmter, einfühlsamer Phrasierung stieg die Solistin in den lyrischen Anfang des ersten mit Andantino überschriebenen Satzes ein, um im anschliessenden lebhafteren Teil begleitet vom schillernden Sinfonieorchester Basel Prokofjews Musik mit wogenden Tongirlanden und wuchtig in die Tasten gemeisselten Akkorden zum funkeln zu bringen. Wesentlich nüchterner ging da der italienische Pianist Marco Scilironi bei der Interpretation von Prokofjews 5. Klavierkonzert G-Dur op. 55 zu Gange. Präzise gespielt zwar, eine Spur zu sachlich allerdings wirkte die Wiedergabe dieses Konzerts, womit der junge Solist der emotionsgeladenen Musik von Prokofjew nicht immer ganz gerecht wurde.
Das vielleicht berühmteste und am meisten gespielte Violinkonzert der Musikgeschichte hatte sich der chinesische Violinist Yu Zhuang zu Brust genommen: Felix Mendelssohn Barthodys Konzert für Violine und Orchester e-Moll op. 64. Nachdem der junge Solist nervositätsbedingte Anfangsschwierigkeiten überwunden hatte - er kämpfte hart mit der sauberen Intonation - gelang ihm dann doch noch eine recht ansehnliche Interpretation dieses monumentalen Werkes.
Keinen leichten Stand hatte auch der Lette Marcis Kublais aus der Violoncelloklasse von Ivan Monighetti, der Stall, aus dem auch der gefeierte Violoncello-Star Sol Gabetta hervorgegangen ist. Notabene spielte Kublais Peter Tschaikovkys Variationen über ein Rokoko-Thema A-Dur op. 33, die Sol Gabetta 2006 mit packender Verve auf CD eingespielt hat, was natürlich Erwartungen weckte. Zwar reichte Marcis Kublais Interpretation dieses Werks nicht an die rassige Emphase seiner berühmten Vorgängerin heran, immerhin vermochte er aber in den lyrischen Passagen durch elegischen Schmelz zu überzeugen.
Als wahre Gaumenkitzler erwies sich das Konzert für Flöte und kleines Orchester des Japanischen Komponisten Isang Yun (1917-1995), das von der ebenfalls aus Japan stammenden Flötistin Aya Komatsu aus der Klasse von Felix Renggli interpretiert wurde. Dieses Konzert der klassischen Avantgarde mit seinen assoziativen, schillernden Stimmungsbildern wurde sowohl von den Musikern des Sinfonieorchester Basel als auch von der jungen Flötistin ungemein kontrastreich mit emotionalen Schattierungen aufgeladen: einer der Höhepunkte dieser qualitativ hochstehenden Schlusskonzerte mit ihren talentierten jungen Solistinnen und Solisten, die alle eine Erwähnung in diesem Bericht verdient hätte.

Erschienen in der Basellandschaftlichen Zeitung